EL PINTOR NAPOLITANO LEONARDO COCCORANTE

Sucede a menudo que en la búsqueda de un dato, una imagen o cualquier tipo de información nos topamos con hallazgos interesantes que nos distraen de la senda y propósito original. Igualmente, cuando uno viaja, aunque se elijan las fechas y se programe minuciosamente cada jornada, la realidad no siempre se ajusta a nuestras expectativas y deseos. De modo que, para bien o para mal, entre las muchas imágenes que guardamos de una experiencia viajera siempre se cuentan aquéllas que, por inesperadas, nos causan honda impresión. Así, la alteración de nuestros planes no tiene por qué ser necesariamente negativa. A veces, incluso, las condiciones ambientales son mejores que las previstas o imaginadas, y la luz, la temperatura, los olores y los sonidos que envuelven el espacio visitado, o la soledad y silencio con que podamos contemplar una obra de arte propician que aquel recuerdo se fije indeleble en nuestra memoria.

En mi reciente periplo napolitano pude disfrutar de algunas de estas sorpresas favorables, como, por ejemplo, la inolvidable experiencia vivida en la antigua colonia griega de Paestum, donde se dieron todos los factores para un espectáculo grandioso: la llanura salpicada de pinos y encinas centenarias, las magníficas ruinas dóricas bañadas por la cálida y cambiante luz vespertina filtrada en el ocaso por el tenue velo de una ligera bruma… Pero no quiero perderme en descripciones que otros han hecho antes y mucho mejor¹, sino en otro descubrimiento, quizá menos grandioso, pero igualmente grato, en el complejo museístico del Pio Monte Della Misericordia, donde se hallan expuestas cuatro obras de madurez del pintor Leonardo Coccorante.

Por razones que sólo atañen al azar o la fortuna, hay artistas cuyo recuerdo sobrevive al paso del tiempo y otros que caen en el olvido, como es el caso de Leonardo Coccorante (1680-1750), un pintor napolitano especializado en vedutte² de ruinas y paisajes de la región de Campania. A primera vista, ateniéndonos a las pinturas mostradas en el Pio Monte Della Misericordia, Leonardo nos remite al famoso grabador veneciano Giovanni Battista Piranesi (1720-1778), aunque por una simple razón cronológica sería más lógico que éste hubiera sido influido por aquél³.

Coccorante gozó de reputación en su tiempo, pintando para la reina María Amalia de Sajonia⁴ y recibiendo encargos de otras cortes europeas. Los motivos preferidos por Coccorante fueron tomados de los llamados Campi Flegrei (en español, Campos Flégreos⁵), pero aunque empleaba como referencia restos arqueológicos reales, éstos solían ser parcialmente inventados, embellecidos, cambiados de escala o adornados de las más diversas formas. De hecho, siendo siempre el motivo central de estos cuadros una ruina monumental existente, su ubicación o contexto se alteraba a menudo, reivindicando un pasado glorioso en un marco arcádico, con frecuencia a orillas del mar. El siguiente texto, tomado de primera mano por Pedro Antonio de Alarcón en 1861 a propósito de Pozzuoli, se ajusta a la perfección a ese marco natural y costero reconocible en muchas de las obras de Leonardo Coccorante: “el Anfiteatro de Pozzuoli, que nunca se borrará de mi memoria […] Desde lo alto del graderío he visto el espectáculo eterno; el mismo que contemplarían los antiguos romanos cuando venían a esta región a descansar del gobierno del mundo: ¡el mar, el cielo, la costa azulada, tapizada de árboles y flores y sembrada de mármoles que reverberaban al sol…, y allá, a lo lejos, la nave gala o ibera que se perdía en el horizonte!”⁶

Coccorante se inició en el oficio con el paisajista Angelo Maria Acosta (1670-1721), adiestrándose en la pintura de arquitecturas y naturaleza; con el florista Nicola Casissa (1680-1731) aprendió a pintar flores, que enriquecieron el follaje entre las ruinas; y con el especialista Gennaro Greco (1665-1714) la representación de puertos, marinas y fantasiosos “capriccios” arquitectónicos⁷. Sin embargo, al parecer, Leonardo Coccorante nunca alcanzó la pericia suficiente en la representación de personas y, consciente de esta limitación, contó con la colaboración de otros pintores para incorporarlas a sus composiciones. Sucesivamente: Giacomo del Po, Giuseppe Marziale y Giuseppe Tomaioli. Una colaboración que no debe ser entendida como algo anormal o como una circunstancia en desdoro del artista, sino como una práctica habitual que agilizaba la producción. Por citar un ejemplo similar muy próximo en tiempo, espacio y temática, cabe señalarse la simbiosis entre Viviano Codazzi (c.1604-1670) y Domenico Gargiulo (1609-1675). El primero especializado en la representación de arquitecturas, y el segundo en la realización de figuras.

Esta es una cuestión que debe ser subrayada, pues si en alguna ocasión hemos hablado de los diversos oficios que concurren en el arte del retablo –arquitectos, ensambladores, carpinteros, entalladores⁸, escultores, doradores, pintores y estuquistas–; o en el campo de la escultura, canteros, marmolistas, soldadores y especialistas en el proceso de fundición y patinado; e igualmente entendemos natural la colaboración entre los imagineros y los responsables del policromado, estofado⁹ y dorado de estas piezas –véase, por ejemplo, el escultor Juan Martínez Montañés y el pintor Francisco Pacheco–, lo mismo puede decirse de la pintura. Y no nos referimos, claro está, a la obligada colaboración entre maestro y discípulo, ni a la encomienda de las tareas más ingratas y duras a los aprendices –tensado y fijación de las telas a los bastidores, preparación de aprestos, pinturas y barnices, trazado de cuadrículas auxiliares, estarcidos, o limpieza de los utensilios de trabajo–, sino al trabajo en equipo de varios pintores. En este sentido, cabe recordar la conocida colaboración de Rubens con Frans Snyders, especialmente diestro en la representación de aves; o la necesaria cooperación entre pintores y grabadores en la reproducción de estampas. No se olvide, por cierto, que una de las causas de la enorme fama de Piranesi –aparte, claro está, de su indiscutible maestría– fue la difusión masiva de sus grabados.

En lo que atañe a las obras de Leonardo Coccorante, podemos identificar algunas características originales, como los tonos anaranjados y azulados dados a la piedra de sus arquitecturas¹⁰; la serie de “ruinas y borrascas”, con arquitecturas colosales frente a la tormenta, el mar picado y navíos naufragados o en trance de hacerlo¹¹; o el pronunciado contraste de luces y sombras que subrayan un tono dramático o majestuoso. Un planteamiento escenográfico a veces criticado, no sin razón, por su excesiva artificiosidad.

Santiago Prieto Pérez 4-11-2023

Capriccio con architetture e mare in burrasca, c.1730-40, Pinacoteca del Castillo Sforzesco, Milán

Autor

Santiago Prieto

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